达芬奇的绘画方法有哪些？达芬奇是怎么创造出来的？
达芬奇创造的绘画方法你知道吗?不知道没关系，知秀网小编告诉你。
“列奥纳多属于人类。他敏锐的观察力并非一种超能力。相反，这是他刻意练习的结果。这一点很重要，它意味着如果我们想拥有这样的能力，也可以努力带着好奇和专注去观察事物，向列奥纳多学习，而不只是望洋兴叹。”
1.技法
1)明暗法(Chiaroscuro)：一词来自意大利文，原意是“明暗”，这里指用光线和阴影的对比在画面中塑造立体感的方法。列奥纳多的明暗技法中还包括在颜料中加入黑色，产生不同的明暗度，而不是调整饱和度或色调。比如，在他的《伯努瓦的圣母》中，圣母马利亚裙子的蓝色是从接近白色过渡到近乎黑色。
2)晕染法(Sfumato)：列奥纳多在韦罗基奥的作坊中学习衣褶画法的时候，还探索了晕涂法。这是一种模糊物体轮廓和边界的技法，它让艺术家可以将物体渲染得就如同我们用肉眼直接观察一样，不会有生硬的轮廓。
这一进步让列奥纳多被瓦萨里称赞为“现代风格”绘画的发明者，而艺术史学家恩斯特·冈布里奇则称晕涂法是“列奥纳多的著名发明，模糊的轮廓和柔和的色彩让不同形体相互融合，给我们留下了想象的空间”。晕染法(Sfumato)源于意大利文“烟雾”，或者更准确地说，是指烟雾弥漫消散在空气中。“你所画的阴影和光线应该像消散在空气中的烟一样没有轮廓和界限。”这是列奥纳多写给年轻画家的准则。
从《基督受洗》中天使的眼睛到《蒙娜丽莎》的笑容，如烟笼罩的柔和轮廓也让我们的想象力不再受限。因为没有锐利生硬的线条，神秘的眼神和笑容才那么让人难以捉摸。
通过晕涂法模糊轮廓已经成了列奥纳多作品的标志之一。阿尔贝蒂在他的《论绘画》中建议用线条来勾画轮廓，韦罗基奥遵从了这一点。
列奥纳多仔细观察了真实的世界，他发现情况正好相反：当我们观察三维物体的时候，看不到锐利的边缘。“不要让轮廓和形象突兀生硬，而要画出烟雾迷蒙的效果。”他写道，“画阴影及其轮廓时，应该让它们隐约可见，不要过于锐利或清晰可辨，否则你的作品就会显得呆板。”韦罗基奥的天使就显得呆板，列奥纳多的则不然。
2.把一个瞬间变成了一个故事
在埃尔米塔日博物馆的《拿着花的圣母子》中，列奥纳多同样捕捉到了生动的人物表情和动作反应，从而把一个瞬间变成了一个故事。在这个场景中，婴儿耶稣被马利亚递给他的十字架形的花朵深深吸引，就像布朗说的那样，他就像“处在萌芽期的植物学家”。
列奥纳多一直在研究光学，他笔下的耶稣聚精会神地盯着花朵，就好像刚学会从背景中分辨出物体的形状。他轻轻地将母亲的手引到自己的关注点。耶稣专注于母亲递来的花朵，马利亚因儿子的好奇感到欢喜，母子间的互动就像在讲一个故事，这也让他们融为一体。这两幅作品的冲击力来自母子两人似乎都已经预知未来的受难。
通过涟漪般扩散的动作和情绪，列奥纳多不仅捕捉到了一个瞬间，还像编排戏剧表演一样，呈现了一出戏剧。他曾担任宫廷演出的表演者和制作者，在《最后的晚餐》中处处体现出这些工作的影响，从刻意的编排、夸张的动作、戏法般的透视到戏剧化的手势。
3.光泽和手指涂抹的薄薄的颜料
与15世纪70年代他在韦罗基奥作坊里的其他作品一样，列奥纳多小心地将稀薄的油彩一层层涂抹在画面上，有时他还直接用手指，由此制造出烟雾般的影调，避免了生硬的轮廓或突兀的变化。到华盛顿的国家美术馆参观这幅画时，只要站得足够近，你就可以看到吉内薇拉下巴右边有列奥纳多的指纹，在这个位置上，吉内薇拉的卷发融入了背景中的杜松，而树上刚好伸出一根尖尖的小树枝。另一个指纹在她的右肩后面。
肖像中最吸引人的地方是吉内薇拉的眼睛。虽然刻意的造型让眼睑显得立体，但是同时也让人感觉沉重，结果她看上去更加忧郁了。她的目光恍惚且冷漠，好像她看穿了我们，却什么也没看见。她的右眼似乎在向远处张望。一开始看上去，她的目光散漫低垂，偏向她的左侧。
但是你单独盯着每一只眼睛的时间越久，就越觉得它们也在盯着你。当你盯着她的眼睛时，还有一个引人注目的地方，那就是列奥纳多用油彩表现出来的液态光泽。每个瞳孔的右侧都有一个小光斑，是阳光从左前方照过来产生的闪光。吉内薇拉的头发上也有类似的闪光。这种完美的光泽——光线照射到光滑明亮的平面产生的白色闪光——是列奥纳多的另一个标志性技巧。
他在佛罗伦萨时，已经开始从主要依赖蛋彩颜料慢慢转向油彩，那时油画在荷兰已经很普遍，后来在米兰时，他对油彩的应用日臻完美。通过精心地涂上一层层极薄的半透明颜料，他创造出了细腻的明暗对比与柔和的轮廓，这也体现出了他的明暗法和晕涂法的特点。
他笔下的发光效果也源于此，光线穿过一层层的油彩，又从底漆中反射回来，感觉它们就像从人物或者物体上发出来的一样。为了体现画面明亮区与阴影部分的对比，在列奥纳多之前的大部分艺术家会在颜色里加入更多白色。
但是，列奥纳多知道光线不仅让颜色更明亮，还能让它们显现出更真实、更丰富的色调。看一看天使的红斗篷、圣母的蓝色长袍，还有金色衣褶上被阳光照亮的部分，这些地方不仅色彩饱和度高，色调也更细腻、更丰富。在为绘画专著写的笔记中，列奥纳多解释道，“因为光照能显现出颜色的质感，所以光线越充足的地方，就越能看清颜色的真实质感”。
4.描绘心理，从而凸显人物
《吉内薇拉·德·本奇》在画她的过程中，列奥纳多也在创作一幅心理肖像，他用画笔捕捉隐秘的情感。这将成为他最重要的艺术创新之一。从这幅画开始，列奥纳多将在这条路上越走越远，并在三十年后的《蒙娜丽莎》中达到巅峰，那将是历史上最伟大的心理肖像。
吉内薇拉右嘴角的一丝浅笑将被升华为迄今为止最令人难忘的笑容。那来自远方、似与吉内薇拉灵魂连通的河水，将在《蒙娜丽莎》中成为地球与人类力量联系的终极譬喻。《吉内薇拉·德·本奇》不是《蒙娜丽莎》，甚至都谈不上接近。但是可以看得出来，它们出自同一人之手。
从《吉内薇拉·德·本奇》开始，女性不再被画成死板的模特，而是活生生的人，有自己的思想和情感。
5.思考最适合人物情感的身体语言和呈现角度
他画的吉内薇拉至少在意大利绘画中是一种创新——他采用了四分之三侧面像，而不是标准侧面像，这让观看者可以直视她的双眼，就像列奥纳多所说的那样，“眼睛是心灵的窗户”。
头部与身体的扭转方向不同，这种对立平衡的形式是列奥纳多作品的鲜明特征之一，《岩间圣母》中的天使就是如此。银鼠在扭动的同时又泰然自若，似乎在模仿塞西莉亚的动作，连扭转的方式都与她步调一致。塞西莉亚的手腕和银鼠的爪子都微微抬起，似乎是为了彼此保护。他们如此鲜活，简直呼之欲出，在这个让人身临其境的场景中，似乎还有第三个参与者，那就是虽未入画，却吸引着他们目光的卢多维科。
6.透视
与通常的情况相比，列奥纳多加快了墙和天花板向灭点后退的速度，他从那些自己参与制作的舞台演出中学会了这个技巧。在文艺复兴时期的舞台演出中，为了给观众造成更大景深的假象，舞台并不是矩形的，而是向后收缩的。它向下倾斜至观众，通过装饰过的檐口来掩盖布景的人为痕迹，就像列奥纳多在《最后的晚餐》顶部所画的一样。使用这种障眼法也从另外一个侧面说明，他花在演出庆典上的时间没有白费。
在《最后的晚餐》中，画里的房间收缩得太快了，以至于后墙上只容得下三扇能看到外面风景的窗户。挂毯不是按比例绘制的。桌子对一顿舒适的晚餐来说也过于局促，门徒们都站在桌子的一边，那里没有足够的空间供他们落座。地板像舞台一样向前倾斜，而且桌子也向我们微倾。这些人物都站在最前排，就像一出戏剧那样，连他们的手势都很戏剧化。